De todo el mundo, nuestro scanner te trae lo mejor del estilo. La efervescencia eterna. The worldwide selection of the outstanding relevant style from our web scan.
TUSH / ‘THE DREAM OF LIFE’ POR JOACHIM BALDAUF & DANIELE MANICHETTI
POR RYE – He elegido esta editorial porque ‘The Dream Of The Life’ interpreta de forma sublime mi pensamiento sobre el estilo, el arte y el sexo. Nuestra anatomía es la encarnación de nuestro reflejo; nuestro estilo no lleva marcas porque la mejor ropa es aquella que no podemos comprar, es la que descubrimos en nuestro mejor reflejo. La vida se hace eterna cuando aceptas su condición natural. Muchas gracias por leer ANATOMIKA!
Esta semana un amigo me comentaba preocupado sobre lo mal destinado que van los presupuestos estatales al Arte. Exposiciones montadas para salir del paso, rancios oportunistas para calendarios culturales urgidos en cumplir metas estratégicas y planes de gobierno. Felizmente, la cultura sabe bien como atajar a los promotores y sus hijos impostores. Existen grandes ejemplos de cómo las casas del arte, grandes y pequeñas, mantienen el fuego vibrante del arte, actualizándose por sobre los avatares convulsos de nuestro tiempo.
El 22 de noviembre, el Museo de Arte Moderno de Nueva York estrenará “Tim Burton”, una retrospectiva sobre el hombre que, ni que decir tiene, nos ha traído algunas de las películas más fantásticas de las últimas dos décadas, desde ‘Beetlejuice’ hasta ‘Charlie y la fábrica de chocolate’. En lugar de improvisar juntando una gran cantidad previsible de fotogramas, los curadores han montado una exposición extensa con películas, fotos, objetos y títeres, así como decenas de inmaculados, hermosos, y siniestros dibujos que el director ha hecho durante toda su vida.
Gran parte del trabajo estaba en un almacén desde hace años en su casa de Londres. MoMA “se puso en contacto conmigo y me obligó a abrirlo y verlo todo”, dijo recientemente a Burton al Nueva York magazine (la entrevista se publicará próximamente en la revista). “Fue algo así como abrir un viejo armario – y decir ¡Oh! ¿Qué es toda esta mierda?” Basta con ver la siguiente selección presentada por en el NYmag para descubrir que de basura vieja no hay nada. Grande Burton, muchas gracias por el fuego, MoMa!
Tim Burton MoMa, retrospectiva
Extracto publicado en el NYmagazine por cortesía de Leah Gallo (fotógrafo), DreamWorks LLC and Warner Bros, Entertainment Inc, All Rights Reserved, y el MoMA.
Más temprano que tarde, las mañanas despiertan con el canto del niño. Nada detiene el florecimiento inevitable de la gloria.
Vuela el Pájaro negro sobre el reino de los prejuicios que gobiernan miedos de luto y húmedas angustias. Surca los cielos con un sonrisa y una jaula como queriendo contarle a las mañanas que ninguna prisión fue capaz de contener el destino de los deseos y la pasión.
La libertad son las alas que honran la naturaleza humana. Muy cerca, florece un niño. Vuela alto, el pájaro negro.
Se ha lanzado el nuevo single de Lady Gaga, Dance In the Dark, un tema que aparece para salvar al inofensivo Alejandro (¿Fernando- ABBA?). El nuevo trabajo del Fenómeno de las listas apuesta por el estilismo barroco, que para el caso ya resulta más que empalagoso. Musicalmente, se trata de un disco que, ¡oh sorpresa!, no supera los pegadizos hits del debut pero aquello no es tan malo.
Dance in the Dark es una pieza bien tejida. Lady Gaga apuesta por un trabajo más musical en detrimento del ritmo rompe pistas. El nuevo single destila estilo, sus productores continúan con la excelente formula de remezclar un par de exitazos olvidados en un nuevo tema. El título del single, recuerda tanto a los ochenteros: Dancing with Myself, Dancing in the Dark, Dirty Dancing. Si en ‘Poker Face’ se apoyan en el sampler de Ma’Baker (Bonie M.), con Dance in the Dark parecen remezclar el sonido esencial ochentero de ‘Tears for Fears’ y el de la mismísima Madonna, con su Vogue y Erotica.
DanceIn theDark
El resultado es bueno, pegadizo pero adulto – con Heidi Slimane como detrás de su. Es probable que con su nuevo álbum The Fame Monster, 8 temas nuevos sumados al primer álbum, Stefanie Gemanotta no consiga apartar al fantasma del éxito inmediato, ni quitarse de encima la máscara del títere, pero se asegura una transición feliz y honrosa a la galería de la fugacidad.
Trabaja en Madrid, es un apasionado de las sombras, las persigue en las sinuosas figuras de sus personajes, entre calles asesinadas por un verano y paradores desamparados de viajes solitarios. Luis García Craus tiene un control especial de la luz natural y un tono narrativo subjetivo que le aporta dramatismo y gravedad a todo lo que captura.
Hijo de la fotografía, con su cámara y su ideario personal, Luis fabula con sensibilidad y solvencia técnica. En las siguientes editoriales, Sombras y Sunset Twilight, García Craus nos transporta con sencillez y espontaneidad a universos estáticos.
La fuerza de sus imágenes se atreve a detener atmósferas y amansar ocasos desarrollando, así, ilusiones poéticas en el espectador. Todo un arte que saludamos con entusiasmo y por cuyo progreso brindamos desde aquí; salud contigo Craus!
Esta semana me encontré con ‘Fantasía’, el excelente trabajo dirigido por Nick Knight para ShowStudio, y me ha parecido una bonita ocasión para reflexionar sobre lo que la moda significa para algunos.
El acto de vestirse se convirtió en un código de sofisticación desde su invención y a partir del siglo XVIII en adelante el traje pasó a convertirse en la bandera distintiva de estatus, generaciones y estilos hasta llegar a nuestra época contemporánea en pleno inicio del siglo XXI en la que el traje y la acción de vestirse se abren paso en dos caminos, el del mainstream universal y el de la expresión artística.
La globalización está homogenizando y ordenando la forma de vestirnos a través de un puñado de estilos estandarizados del cual es casi imposible escapar por razones, socioculturales – todos queremos pertenecer a un grupo, ¿quién quiere ser el ‘raro’? – y económicas – ‘lo masivo siempre es más accesible’- salvo para aquellos entusiastas rebeldes que consiguen llevar la sofisticación del traje a su expresión artística.
¿Hay algo más personal que aquello que elegimos como segunda piel? Quizás lo haya pero de seguro aquello está bien allí donde esté, en la intimidad de tu identidad. Vestirse, desde mi perspectiva, es un acto intelectual personal pero también es recuperar la ilusión de los juegos infantiles, es esconderte en un probador y ser todos los personajes que alucinas, es la capacidad de escribir lo que sientes conjuntando una camiseta con unos pantalones; es hacer un poema con un foulard, el aroma de un perfume y el acento de tus palabras y la gracilidad de tus movimientos.
Para muchos vestir es una necesidad, una insignia política o un deber, yo quiero revindicar aquí a todos aquellos para quienes el vestir es un placer, una expresión de vitalidad y un privilegio bien honrado.
Recuerdo mis visitas al sastre del pueblo pidiéndole una réplica de una pieza con foto en mano… hoy todo es más fácil, aún en tiempos de crisis para muchos vestirse es un privilegio potencial, un lujo desaprovechado. Mi fraternidad a todos los que se esfuerzan para superar las limitaciones y sublimar lo que muchos menosprecian o prejuzgan, el arte de vestirse.
En la moda como en el lenguaje se puede perdonar la ignorancia pero no al ignorante (vocacional). La próxima vez que pases frente a un escaparate recuerda que sin práctica no hay maestros, y que siempre es preferible un hortera eventual que un aburrido permanente. ¡El analfabetismo estético tiene aquí a un empedernido contrincante! La moda es fantástica porque tú, amigo, eres fantástico.
FANTASÍA
CRÉDITOS
Dirección y Fotografía: Nick Knight
Edición: Ruth HOGBEN
Modelos: Lily Donaldson y Jourdan Dunn
Editor de Moda: Kate Phelan
Cabello: Sam McKnight
Make-up: Val Garland
Uñas: Marian Newman
Atención a la Moda: Michelle Duguid
Lugar: Park Royal Studios
SHOWstudio Dirección Creativa: Paul Hetherington
Dirección Editorial: Furia de Alexander
Front-End de Diseño y Desarrollo: Francisco Salvado
Producción: Laura Bradley
Dirección Técnica: Dorian Moore
Gracias a Allan Finamore Epílogo en imágenes y Clara Alstin en Vogue.com
Si el Halloween te ha dejado algo de cuerpo, puedes atreverte este domingo con Jennifer López, la colombiana Shakira o el Festival LEsGai. Shakira estrenó este sábado su nuevo video del segundo single del disco “She wolf”. La canción es ‘Did it again’ y el caballito de batalla de Shakira para terminar de conquistar el mercado anglosajón que aún se le resiste. Su versión latina es ’Lo hecho está hecho’.
Shakira aún tiene pendiente un álbum por grabar antes de cerrar su contrato con Epic y pasar a las filas de la productora Live Nation como lo hizo Madonna. De momento, la colombiana ya ha tomado prestado de la reina del pop a su bailarin preferido, Daniel ‘Cloud’ Campos que en el video de ‘Hung Up’ y en el posterior Confessions Tour ha demostrado ser capaz de retar la gravedad y levantar calores y palmas. Salud Shakira!
Mientras tanto Jennifer López ha comenzado ayer sábado una intrigante campaña viral de ‘LOLA’ que al parecer será su retorno a las pistas de baile…
Y si estás por Madrid, hoy domingo 01 de noviembre tienes la posibilidad de asistir al 14º Festival Internacional de cine lésbico gai y transexual de Madrid. Aquí tienes un resumen de algunas de las películas que se proyectarán en la sede de la Fundación Ateneo Cultural 1º de Mayo, calle Lope de Vega 40 (esquina Paseo del Prado). El precio es de 5 eur por sesión. El cine espera, buen domingo allí donde estés!
Festival LesGai
17.40h - Patrik, Age 1,5
Göran y Sven tienen la posibilidad de adoptar a un huérfano sueco, Patrik 1,5. Pero cuando Patrik llega, resulta que hay una error en la ‘,’…
19.40h - Tú eliges
El primer largometraje de Antonia San Juan (‘La Agrados’). Enredos en los preparativos del lanzamiento de un disco, una cita a ciegas y la ruptura de una pareja del espectáculo…
21.40h – Ghosted
Inolvidable historia de amor entre una artista alemana y una mujer taiwanesa. La muerte de una es el punto de inicio para la exloración de los límites de la vida y la muerte, la memoria y la imagen.
23.40h – Hannah Free
Hermoso film que revela cómo dos mujeres mantuvieron una relación amorosa a pesar de un matrimonio, una guerra mundial, infidelidades y rechazos familiares.
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FLAMBOYANT MAGAZINE # 1 – ‘ORLANDO’ POR DIEGO DÍAZ
POR RYE – La primera edición de la revista digital Flamboyant publica la editorial ‘Orlando’. En tono poético, fotografía acompañada por ilustraciones románticas y góticas que aportan el balance ideal al estilismo. Hombreras firmadas por Ivo Bisignano quien consigue aquí la redefinición de una tendencia ochentera por los maxi hombros con un potente aire minimalista y gótico. El punto de máscara blanca en las pestañas, la modelo adecuada, el cabello en su sitio, el resultado es excelente.
Para esta edición hemos pedido danza, de todos los tipos y colores. La fascinación por la transformación de la estética del cuerpo humano para encarnar aquello que no se ve pero que el movimiento consigue transmitir. La poesía de las formas, el dramatismo de los movimientos, la fantasía de un cuerpo que lo es todo. Danza en clave electro boogie de una compañía francesa (no hemos conseguido el más detalles), la instalación multimedia y performance ‘El Jardín de las Flores que Cantan en la sala 0 del Subte de Montevideo’ de Mariana Marchesano y Santiago Turenne (Uruguay) y finalmente un extracto de ‘Wings of Wax’, las alas de cera del genial coreógrafo holandés Jiri Kylian.
361 org Cambio Climático
Piper Heidsieck & Louboutin Cenicienta de cristal
Fashion 156 Blanco & Negro
El cambio climático debería preocuparnos. Si es otoño ¿deberíamos alarmarnos si hiciese sol y calor? Pues sí. La organización 360 org ha sumado entre sus filas a las divinas super modelos, el requisito ha sido: quitárselo todo, resultado: campaña eco chic. El señor Christian Louboutini incursiona nuevamente en el lenguaje audiovisual, esta vez de la mano de la casa de champagne Piper Heidsieck que ha elaborado Le Rituel, un tándem de botella y zapato de cristal para beber la champagne como lo hacían las bailarinas rusas. Y la revista Fashion 156 comparte en video su editorial Black & White bajo la dirección de Oliver Warren.
Paul Sculfor Casting
Andrew Cooper Casting
Cocksox resultado final
Está claro que toda publicidad pasa por la maquinaria cosmética del Photoshop y las luces así que por qué razón los paquetes iban a ser la excepción. Aquí tienes el ciclo de producción en un animado ejemplo de cómo pasar del casting al resultado final. Con los retoques justos el paquete sigue siendo el mismo, caliente! Ya es jueves, comienza a bailar, sé feliz, escríbete un cuento que en la vida no todo es blanco o negro y que tengas un buen fin de semana!
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Madrid se ha constituido en la capital más bullente en la defensa y promoción de las libertades e igualdades en el mundo. Su pasado opresor reciente es el combustible para una generación que aspira a la igualdad y la transformación a través de la liberación de leyes y de prejuicios institucionalizados.
En este contexto se cocinan muchas iniciativas en clave de fiesta – ¡es lo propio en España! – y de ellas destacamos su simpatía hacia el ‘colectivo’ homosexual. El calendario del discurso queer en Madrid crece y se consolida gracias al interés y participación de emisores y receptores que llegan de todo el mundo a Madrid atraídos por el sol de sus buenas intenciones.
Festival de Cine LesGai Madrid
El Festival Internacional de Cine LesGai, pieza clave del discurso queer madrileño, llega cada año con una selección importante de trabajos de todo el mundo y para esta edición la invitación nos llega con un provocador video promocional dirigido por Juanma Carrillo, que es además el anticipo del estreno de su nuevo corto ‘Caníbales’.
‘Caníbales’ ha llamado nuestra atención porque es ante todo una apuesta por llevar la mirada hacia donde otros temen y prejuzgan. Con ‘Caníbales’, el director español Juanma Carrillo recrea la escena cruising en la madrileña Casa de Campo, con un tono realista, a cámara en mano y con una banda sonora de sonidos electrónicos para componer ese bosque prohibido que habita más cerca de lo que muchos creen y temen.
‘Caníbales’ es la sordidez como elemento de la compleja belleza de la naturaleza humana. Juanma Carrillo nos comenta sobre su film: “Para mi el cruising me resulta terriblemente sórdido y por lo tanto atractivo como telón de fondo para una historia de traición donde sobran las palabras, el silencio y el secretismo son el lenguaje imperante y donde todo se come, todo se traga, con deseo, avaricia, y desesperación empezando por los sentimientos”
“Y aunque el título resulte a priori algo ofensivo para algunas personas, no pretendo prejuzgar dicha práctica, sino ser fiel a mis propias experiencias , y enmarcar mi historia entre las paredes de culpabilidad, morbo y soledad que he observado en los lugares de cruising.” Por su atrevimiento, por su frescura y estética, y por el logro de su esfuerzo, Juanmanuel Carrillo se ha ganado desde ya mi asistencia al estreno de su nuevo corto este 2 noviembre en Madrid. Estamos todos invitados!
Caníbales trailer
Dirección – Juanma Carrillo CANÍBALES official site Ilustraciones – Salvador Cobrero Alarcónwebsite Fotografía promocional – Jesús Ugaldewebsite
Un de las mejores señales que podemos recibir en un momento crítico es ‘darlo todo’. No importa cuan bien o mal nos halla ido antes, o cuan mal lo estemos pasando, la vida solo sucede así que lo mejor que podemos hacer es intentar no racionalizar ni dramatizar y en su lugar ‘darlo todo’ porque solo así estaremos orgullosos de nuestros actos y esa emoción es la que construye la dignidad de los seres humanos. Hoy has lo mejor que puedas y diviértete!
Give It 2 Me
Madonna
¿Qué estás esperando?
Nadie te dirá cómo hacerlo
Por qué trabajar por otros
Cuando lo puedes hacer tú ahora.
Sin límites
Ni ataduras
Si es algo emocionante, llámame
Si está en contra de la ley, arréstame
Y si te pone a cien, desnúdame.
No me detengas ahora, no intentes dejarme sin aliento
Puedo seguir una y otra vez
Cuando las luces se apaguen y no quede nadie más
Yo puedo seguir y seguir.
Dámelo a mí, sí
Nadie va enseñarme cómo hacerlo
Dámelo a mí, sí
Nadie podrá detenerme ahora, no.
Aquellos que dicen que lo bueno no es eterno
Y que todo tiene su final
Esos son los que nunca llegaron muy lejos en verdad.
Dame una nota y la estremeceré
Dame un record y lo romperé
No hay inicios ni finales
Déjame seguir y lo haré.
No me detengas ahora, no intentes dejarme sin aliento
Puedo seguir una y otra vez
Cuando las luces se apaguen y no quede nadie más
Yo puedo seguir y seguir.
Nadie va enseñarme cómo hacerlo
Nadie va a detenerme ahora, no.
Estás aquí sólo para ganar ¿escuchas lo que dicen? Estás aquí sólo para ganar ¿ves lo que hacen? Lo harían también
Si estuvieran ellos en tu lugar
Lo hiciste tú primero
Nada nuevo queda hoy
Dámelo a mí, sí
Nadie va enseñarme cómo hacerlo
Dámelo a mí, sí
Nadie va a detenerme ahora, no.
Traducido por Ricardo Y. Estrada del original ”Give it 2 me” – Madonna Sticky and Sweet album.
El diseñador y flamante director de cine analiza la génesis de su primer largometraje, ‘A Single Man’ para Out magazine.
POR AARON HICKLIN
Out: Su primera película ha resultado un éxito en los festivales de cine de Venecia y Toronto. ¿Es este el comienzo de una segunda carrera?
Tom Ford: Yo ciertamente espero que sea el comienzo de una carrera paralela. Ha sido muchísimo trabajo de filmación y de diseño de producción, y creo que si sólo me dedicara a hacer películas, el tiempo de espera entre proyecto y proyecto me volvería loco. Me gustaría hacer una película cada dos o tres años, que es además lo más rápido que un proyecto puede tomar para arribar a tierra.
¿Cómo cree usted que estas dos sensibilidades – la moda y el cine – se unen en su forma de hacer cine?
Son cosas muy distintas para mí. Hacer esta película ha sido la primera oportunidad en mi vida en la que he podido expresarme totalmente y artísticamente. La moda, para mí, es sin duda un trabajo creativo pero es en última instancia un esfuerzo comercial.
Ciertamente, como guión, A Single Man suena como un proyecto poco atractivo. La historia acerca de un hombre mayor, gay, preparándose para enfrentar su propia vida…
Incluso [mi compañero] Richard, cuando leyó por primera vez lo que yo quería hacer, me dijo, “¿Estás seguro?” Y le dije, “Sí, me siento muy optimista. Tengo un presentimiento con la historia”.
El enfoque sobre el amor entre dos hombres parece muy oportuno en la coyuntura del debate en torno al matrimonio homosexual y la necesidad apremiante de mejorar las representaciones de las relaciones homosexuales.
Ni siquiera pensé en ello, pero he recreado en la pantalla el tipo de relación que tengo y que [el autor] Christopher Isherwood tuvo con Don Bachardy durante 43 años. Así que todo me pareció muy natural. Fue divertido cuando uno de mis agentes me dijo, “Esta es una historia gay.” Yo le dije: “¿En serio? ¿tú crees?. “Vivo un momento en mi vida en el que soy un ciego para las diferencias entre lo gay y lo heterosexual. Yo soy gay, siempre he sido totalmente abierto al respecto y para mi sólo existe una única condición humana y es la que todo hombre en nuestro planeta vive. Christopher Isherwood fue uno de los primeros en tratar a sus personajes gays de la misma manera que trató a los personajes heterosexuales. Siempre se trataba de personas interactuando.
Está claro que ésta es una película personal.
Si usted lee la novela podrá ver que he puesto mucho de mi carácter y personalidad en el personaje central de George. El libro ‘A Single Man’ es una especie de The Power of Now antes de que The Power of Now fuera escrita. Y es que este guión además me llegó en una etapa personal y crucial, en mitad de mis cuarenta - después haber pasado una gran parte de mi vida centrado en el mundo material – en la que tengo otra relectura de él de cuando lo leí por primera vez a los veinte. Siento que ahora el gran mensaje para todos nosotros es apreciar las pequeñas cosas de nuestras vidas y tratar de estar muy presentes en cada una de ellas porque son esas cosas lo más grande de la vida – lo que realmente tenemos, sin más.
En contraste con su imagen sexual y provocadora de su etapa en Gucci, ‘A Single Man’ nos presenta un lado más profundo, más romántico que había pasado desapercibido para mucha gente.
Estoy de acuerdo. Una de las cosas que la mayoría de la gente no se cree sobre mí es que soy muy tímido y no creo que jamás haya permitido a la gente estar tan cerca de mí como con esta película. Sin duda mi faceta en la moda es mi lado más superficial. Y creo que eso se debe al hecho de haberle dedicado un largo periodo de mi vida laboral al mundo material. Y creo que puesto en perspectiva y sin tomárselo demasiado en serio la moda es una actitud que añade calidad a nuestras vidas. Esto no quiere decir que un hermoso par de zapatos deje de ser hermoso pero si los perdieses, allí le encontrarías el punto, porque en realidad no significaría otra cosa más que la ocasión para poder decir: “Vaya, mira mis pies. ¿No son bonitos? “
¿Cómo fue la reacción de su pareja cuando vio su película?
Bueno, él la vio en muchas etapas. Leyó cada etapa del guión y me acompañó un par de veces a las filmaciones, revisaba todos los avances en los diarios y vio los primeros cortes de la película. Y creo que le gusta. Él es muy poco expresivo con sus opiniones sobre mi trabajo. En muchas pasarelas en las que tuve muy buenas críticas no dijo una palabra sobre ellos. Era casi como si no existieran para él y eso me ponía como loco. Pero esta vez ha sido muy elocuente conmigo.
¿Cómo llegaste a elegir a Nicholas Hoult para la película?
Originalmente había elegido a alguien más para ese papel, alguien conocido, que se retiró en el último minuto. Alguien que no se presentó a la prueba de traje cinco días antes de que empezáramos la filmación. Unas dos semanas antes había recibido, a través de correo electrónico, una audición de Nicholas que quería participar en el proyecto a pesar de que el personaje ya había sido asignado. Recuerdo que pensé: Joder, es tan bueno, es tan adecuado para el papel, pero la casting ya estaba cerrado. Pero luego excepcionalmente – y esto sucedió mucho con esta película – las cosas tuvieron que cambiarse. Colin Firth no estaba disponible originalmente – yo ya tenía a otra persona en su papel – y repentinamente tuvimos un cambio en el calendario de las grabaciones y él también tuvo un cambio, la otra persona se retiró y todo fluyó. Lo mismo sucedió con Nicolás. Ahora no puedo imaginar a nadie más que a Nick haciendo ese papel.
Hay una serenidad especial en su presencia en la película.
Y angelical. De alguna manera su personaje es un poco el de un ángel que salva a George (Colin Firth). Lo interesante es que Nicolás tenía 18 años cuando empezamos a rodar y Colin tenía 48. Justamente las edades de Chris y Don cuando se conocieron en la historia.
Este fin de semana nos traerá muchos happenings en Madrid. Las galerías se agitan, entre fragmentos espaciales vuelan las abejas y corren los animales retratados. El próximo jueves 22 de octubre estaremos en La Fresh Gallery, a las 19:30h para celebrar junto a la dupla Rubenimichi la inauguración de su exposición titulada ‘A-N-I-M-A-L’ que ya anticipamos en La Mordida anterior.
Acerca de la exposición los amigos de La Fresh Gallery nos ha comentado “¿Qué es lo humano y qué es lo animal?, a la manera de modernas fábulas los animales de Rubenimichi toman cualidades antropomórficas pasando los hombres, en muchas ocasiones, a ser meras marionetas en sus manos. Humano, animal, vida, muerte, naturaleza, crueldad, belleza… son sus premisas estilísticas que para la ocasión aparecen plasmadas en una serie de acrílicos, cerámicas y obra seriada desarrolladas a lo largo de estos últimos meses”.
El mismo jueves 22 de octubre acompañaremos a nuestro amigo el pintor y docente Juan Manuel Sánchez y su fiesta en la reconocida Galería Larra a partir de las 20:00h. Sánchez presenta ‘Fragmentos Espaciales’ un exposición con más de un treintena de cuadros donde el color es domesticado con sensualidad y pasión para crear composiciones en collage y retratos que son una oda a la aventura de vivir.
Y el próximo sábado 24 nos damos un salto a Toledo donde la Diputación se enorgullece de presentar la obra de Carolina Ceca. A las 13:00h‘La vida de las Abejas’ dará comienzo en el Sitio Histórico de Santa María de Melque. Sobre Carolina Ceca ya hemos comentado anteriormente aquí y nos alegramos que la belleza de su trazo simple, su solvencia y calidez nos acerca nuevamente el simbolismo atemporal y transoceánico. Un fuerte saludo a ella, a Rubinimichi y a Juan Manuel Sánchez, por conectarnos con lo que realmente importa. Salud!
El Istituto Europeo di Design se ha constituido en referencia académica y cantera de talentos en España y principales capitales de Europa. Estuvimos en la inaguración de ‘Home with Less’ una exhibición de los trabajos realizados por los estudiantes de Diseño Industrial 2º con la dirección de Diego Barajas. Un conjunto de piezas centradas en la temática funcionalidad espacio reducido y el reciclado ecológico.
Paredes acústicas, set de dormitorios desmontables, mobiliario, luminarias entre otras piezas utilitarias realizadas en re-board un material similar al cartón pero de mayor resistencia. Satisfechos con la visita hemos hecho la promesa a los amigos del IED de matenernos alertas a su calendario de actividades paracadémicas que es todo un lujo como se puede comprobar en detalle líneas abajo (octubre/noviembre). En sus dos sedes en la capital española, el Istituto Europeo di Design depara buenas noticias. Diseño desde Madrid, me gusta!
HOME with LESS
Octubre ied
Deyan Sudjic
Director del Design Museum, London, la institución más emblemática del mundo en el campo del diseño.
22 de octubre, 19:30h
Salón de Baile Palacio de Altamira, C/ Flor Alta nº 8, Madrid - metro Callao
Presentación libro “El lenguaje de las cosas” Dejan Sudjic (Turner, 2009)
Apertura curso escolar 1º Trienales: Design, Artes Visuales, Comunicación
Directora de desarrollo para Europa de Organic Exchange www.organicexchange.org“Sustainable world, sustainable life, sustainable products”.
22 de octubre, 19:30h Salón de Baile Palacio de Altamira, C/ Flor Alta nº 8, Madrid – metro Callao Apertura curso escolar 1º Trienales: Moda
Ha sido directora de Responsabilidad Corporativa en: Adidas, C&A, Fun & Basics, Orange, el Ayuntamiento de Barcelona y la Asociación Española de Profesionales de Compras AERCE; así como en programas académicos con la Universidad de Cantabria, la Universidad Rey Juan Carlos y el Banco Interamericano de Desarrollo. Es master en Derecho Internacional de los Derechos Humanos por la Universidad de Padua (Italia) y la Universidad de Maastricht (Países Bajos) y licenciada en Derecho Económico por la Universidad de Deusto.
Fragmentos Espaciales es el triunfo de la pasión en la vida de un hombre. La conquista del universo del color y las formas, Juan Manuel consigue atrapar su vida en esta colección que nos entrega una treintena de cuadros. Pintura, collage, cubismo y retratos para apoderarse del color de la vida, aquella que transita entre dos universos, el del misterio insondable de la existencia, musa de filosofías y ciencias, y el del empaque de colores con el que nos atrevemos a diario con ella.
Con excepción de sus retratos, el artista imprime su impronta desde antes de alcanzar el soporte. La obra de Juan Manuel Sánchez comienza con el desgarramiento de los elementos, se apropia de lo material con autoridad trozando los colores aportando el efecto único e irrepetible que enaltece toda obra de arte pero sobre todo le aporta una dramatización y sensibilidad personal.
Sánchez ostenta una larga trayectoria como pintor y profesor en la Real Escuela de Arte Dramático de España. Para Juan Manuel la vida es ese color solar vertical infinito que danza abrazando el negro que compone el sueño verdadero, el misterio que nos hermana. Los fragmentos espaciales son los retratos de la musa que cuelgan apasionados de las paredes de nuestros mejores días. Inauguración, jueves 22, Galería Larra, 20:00h. Todos invitados!
El tema de esta semana va de viajes. Una vuelta al pasado de ‘La casa de Bernarda Alva’ (García Lorca) dirigida por Lluís Pasqual y magistralmente actuada por Nuria Espert y Rosa María Sardá y un joven reparto, un pasado en el que reinaba la intolerancia, la intransigencia y el oscurantismo lapidario de la religión católica en España. Un cuento para no repetir en el ‘Matadero de Madrid’. Claudio Gallina expone en el Museo de Arte de Puerto Rico ‘Entre la memoria y el olvido’. De 18/09 – 20/12 pintura figurativa, los sueños de Claudio nos ponen en perspectiva. Rubenimichi el tándem compuesto por Michi Cabrerizo& Ruben Bartolo exponen en La Fresh Gallery de Madrid bajo el título A-N-I-M-A-L, un viaje que transita por lo humano. Animal, vida, muerte, naturaleza, crueldad, belleza, son las paradas de un viaje que se inaugura este jueves 22/10.
Gosht Natalia Poly
Extreme Beauty Vogue
Lara Fiction Noir Steven Klein
La belleza puede ser un viaje plagado de fantasmas porque lo mejor siempre está debajo de tus ropas. Marco Brambilla y Akiko Iwakana encaran con arte los fantasmas de la modelo Natasha Poly. 75 años de Vogue USA dan y sobran para publicar el libro ‘Extremme Beauty in Vogue’, un viaje por las imágenes icónicas que surgió de una reciente exhibición curada por Vogue bajo la dirección de Jean Nouvel celebrada en Milán con motivo del lanzamiento de la línea de maquillaje de D&G. El libro está disponible desde el 13/10, entre sus páginas encontrarás firmas como Bruce Weber, Steven Klein, Steven Meisel, Herb Ritts, Annie Leibovitz, Richard Avedon, Helmut Newton, Ellen Von Unwerth, entre otros. Y Steven Klein nos presenta su incursión en el lenguaje del video con un guión cargado de estilo y erotismo noir.
Canibales Lesgai 09
El Beso de Rugby silencio por favor
XTG juego interior
Madrid se prepara para el Festival de Cine Homosexual, LESGAI. El 2 de noviembre está previsto el lanzamiento de ‘Canibales’ un film que pone el tono a un festival imprescindible para todos los que estén dentro o fuera del armario. Avisados!. La televisión aún puede ser sexy, divertida e instructiva. La ironía de un beso rudo en parrilla. El viaje de la testosterona del crusing y el rugby terminan en un juego animado de ropa interior firmado por XTG, un detrás de cámaras con chico y chica para animar esta semana que comienza feliz. El mejor viaje es el que te atreves a hacer.
Actor, director, productor, guionista, cantante Alan Cumming (Perthshire, 1965) es multi facético y prolífico, ha participado en conocidas series como Sex and the city, Fraiser y en películas comerciales como Xmen 2, pero su carrera está centrada en el cine de autor (como Cabaret, Mr Ripley, entre otras), graba una media de cinco películas al año, mantiene su propio blog y además este escocés es gay.
Era cuestión de tiempo para que el legendario fotógrafo David La Chapelle se le uniera en una editorial que publicamos aquí y que orquesta el lanzamiento del nuevo disco de Cumming. El single titulado ‘I bought a blue car’ puedes escucharlo y adquirirlo en Amazon. Afortunadamente los orgasmos en el arte están asegurados!
Simon Bedwell (1963) nació en Croyde, Reino Unido. Durante el periodo de 1991 – 2002 trabajó bajo el seudónimo de ‘BANK’, un colectivo de artistas cómicos y ofensivos que tuvo una presencia gravitante en la escena londinense a través de sus enloquecidas instalaciones, la producción de piezas de arte provocadoras y satíricas así como la publicación de un periódico contra la pretenciosa y rígida escena inglesa de entonces, además de su campaña para la mejora de las galerías que incluía cartas del lector con correcciones ortográficas y de estilo de las notas de prensa e invitaciones a los propietarios de las galerías.
Desde 2002 Simon Bedwell vive y trabaja en Londres, se desempeña en solitario bajo la representación de MOT. Sus trabajos más difundidos son los pósters de segunda mano y carteles de gran formato y fotografías manipuladas con títulos cuidadosamente escogidos por el artista utilizando herramientas tan asequibles como el programa WordArt, esténsils y pintura en aerosol.
La obra de Bedwell conquista para sí el medio, en sus trabajos el soporte tiene un objetivo comercial que se pierde totalmente gracias a la intervención del artista. En sus pósters lo banal e inmediato consigue trascender mediante su transformación pero sin perder su eco familiar. Simon es un maestro en el uso del poder de la ironía y la narración poética. Es su observación crítica e inquieta y sobre todo rápida y reactiva la que aplaudimos en un tiempo en que la relectura del maquillaje de la realidad y la inmediatez se antoja imprescindible.
La revista W edita en noviembre su número dedicado al arte. Los protagonistas son Linda Evangelista y el artista italiano Maurizio Cattelan quien es conocido por sus esculturas híper realistas y subversivas como la del Papa Juan Pablo II atacado por un meteorito o la de un pequeño con cara de Hitler rezando de rodillas y su ardilla suicida.
Sobre la musa Cattelan a comentado que Linda ‘además de modelo es una actriz entregada, sólo bastaban un par de palabras para que captara lo que quería’. Una pieza del artista italiano ha sido incluida en la exposición ‘Pop Life – el arte en un mundo material’ que se exhibirá en el Tate Modern de Londres a partir de enero próximo. Así mismo una exposición centrada en sus trabajos de gran formato se presentará en Menil Collection en Houston en febrero de 2010. Cattelan participó como uno de los curadores en la Bienal de Berlín 2006 y actualmente vive entre Nueva York y Milán. Las fotografías de la editorial son firmadas por Pier Paolo Ferrari.
Ágora es un punto sin retorno, un film que insospechadamente consigue retratar con poesía aséptica el mayor drama de la humanidad. Ágora es la metáfora que nuestro tiempo se merece, la película de Alejandro Amenábar es un cruel espejo del cual es imposible huir.
Como discurso cinematográfico se puede criticar la tibieza de sus primeros diez minutos así como una nula introducción al personaje principal, Hipatia. Personalmente hecho en falta algún flashback al inicio (elemento que funciona bien en el final) aunque entiendo que su director quisiese darle un tratamiento periodístico y lineal al discurso. Sin embargo la estructura evoluciona con un ritmo in crescendo que lleva al espectador a un estado de desasosiego que concluye con un silencio solemne al termino de la proyección.
Ágora es un punto sin retorno, es una película épica pero no lo es en tanto que su objetivo no es entretener (Gladiador, Alejandro Magno, entre otras), es un drama histórico inteligentemente urdido por un director que aspira a emocionar como su colega Steven Spielberg. Estamos ante una historia sobre el fin de una era y el horror de un ciclo que nos humilla. Alejandro Amenábar consigue dramatizar con éxito un doloroso conflicto contemporáneo: la religión, su oscurantismo y politización, llevando la controversia a un terreno más seguro: el siglo IV.
Sería un triste error pensar que Ágora es una película proselitista y anticristiana. Aquellos que la juzguen así deberían tener en cuenta antes que los americanos ya han matado demasiados indios en el cine y que los europeos han protagonizado los saqueos y las guerras más mundiales y que desde el medio oriente aún nos llegan noticias de lapidaciones. Levantar la bandera roja a Ágora sería un acto de ligereza cuando no de cinismo.
Ágora es una oda al mayor drama humano: su esclavitud. En Ágora la libertad es la verdadera esclavitud, es la espada que empuña el poder; la libertad es la condena, es el conocimiento y a la vez el arma letal. La libertad es el poder de condenar, manipular y aplastar al diferente, la libertad es la madre de la injusticia y el caos, la libertad es la espada que termina en su contra y sin la cual los hombres modernos no podríamos definirnos. Tan pronto intentamos ser libres terminamos esclavizados.
La novena obra de Alejandro Amenábar es el cuento de siglos de aprendizaje en los que el sufrimiento del hombre es el canto sordo y sórdido que orquesta la eternidad del inmenso misterio que es el espacio que nos sostiene y al que pertenecemos. Ágora es un acierto tanto por su elección y oportunidad conyuntural como por su enfoque. Es una visión racional muy cercana al positivismo filosófico.
El film está protagonizado por Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashraf Barhom, Rupert Evans, Homayoun Ershadi y Michael Lonsdale. En los apartados técnicos se encuentran Guy Dyas (responsable del diseño de producción de cintas como ‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’ o ‘Elizabeth: La Edad de Oro’), Gabriella Pescucci, ganadora del Oscar por el diseño de vestuario de ‘La Edad de la Inocencia’, Xavi Giménez, uno de los directores de fotografía más importantes del cine español (le auguro un Oscar), y Dario Marianelli, compositor ganador del Oscar por ‘Expiación’.
Ágora es también la consagración de su director. Alejandro Fernando Amenábar Cantos (1972) ya puede gozar de la tranquilidad de quienes han cumplido con su misión. Su novena obra le consagra como maestro y aunque se trate de una película complicada y su desenvolvimiento en las listas de ventas en el mundo es impredecible está claro que Amenábar le ha regalado al cine una película alegórica y eso es el mejor pasaporte para cualquier película que aspire a la gloria.
Amenábar está haciendo cine con mayúsculas, su capacidad de dirección crece exponencialmente con cada obra, su olfato se agudiza y su lucidez alumbra una sensibilidad que captura la musa llevándola a la gran platea. Alejandro consigue congregar, cautivar y estremecer. Su obra, no él, es pretenciosa; aspira a la transformación. Él ha dicho que su cine es el relato de un viaje constante. Ágora, es una película que honra a sus creadores tanto como a quienes acepten su invitación a la reflexión. La libertad ya no puede ser la espada.
Comparte con nosotros tus clásicos de cualquier década y también los temazos actuales con sabor a leyenda. La buena música tiene su origen. Déjanos un comentario con el título o artista. Dale al playpara que las emociones bailen!
He caído en el rastro de Roman Opalka, he tropezado en su delirio por el infinito, en su obsesión por asesinar la eternidad dedicando toda su obra a pintar números, del 1 al infinito. Junto a EriK Satie ese piano que se repite enloquecido, Opalka se suma al grupo de mentes condenadas al arte de repetir y sumar para nosotros.
Roman Opalka (nacio en 1931) es un pintor francés hijo de un inmigrante polaco. Tras su carrera de litógrafo, entre 1951 y 1956 estudió pintura, grafismo y escultura en la Academia de Bellas Artes de Lodz. Si Opalka había abordado con anterioridad en diversas series de obras el fenómeno del tiempo, a partir de 1965 – año en el que comenzó su proyecto titulado 1965/-∞- se consagró exclusivamente a su representación pictórica. A diferencia de On Kawara, en cuya Today Series el presente ocupa una posición singular, Opalka parece interesarse más por una representación del flujo temporal que transcurre de una manera homogénea.
La concepción de su serie Infinity Paintings, o pinturas del infinito, se basa en el principio elemental de la progresión. En 1965 termina su primer cuadro, titulado 1965/-∞ (Detail 1-35327), que comienza con la cifra 1 en blanco sobre fondo negro e la parte superior izquierda para continuar sumando unidades en series numéricas superpuestas hasta alcanzar la cifra 35.327. El siguiente cuadro de la serie – Opalka concibe cada cuadro en el sentido de una cifra – enlaza con el primero con la cifra 35.328 colocada en la parte superior izquierda, y así sucesivamente.
“Mi objetivo es llegar hasta el blanco sobre blanco, y todavía sigue vivo.”
Todos los cuadros tienen el mismo tamaño, cada nuevo lienzo que el artista llama un “detalle” es del mismo tamaño (196 x 135 cm), la dimensión de la puerta de su estudio en Varsovia y están pintados con la misma técnica. Opalka solo volvía a impregnar su pincel de pintura cuando las cifras empezaban a resultar ilegibles.
A principios de los años setenta Opalka decidió incrementar en un 1% la proporción de color blanco en cada cuadro, de modo que los fondos, inicialmente negros, terminaron siendo grises. Esta manera de proceder daba lugar, al menos teóricamente, a que las cifras de un día se fundiesen indisolublemente con el fondo blanqueado del cuadro.
Retratos – Exposición permanente en el Centro de Arte Contemporáneo de Varsovia
A partir de 1968 Opalka acompañó cada cuadro con una grabación magnetofónica en la que enumeraba en polaco, su lengua materna, las cifras que iban apareciendo en la tela. Además al término de su jornada laboral realizaba un autorretrato fotográfico. En 1998 el artista, que aún continúa trabajando sin interrupción en su serie 1965/-∞, llegaba a la cifra de cinco millones.
Son más de 200 los cuadros con los que el Chico que sumaba ha venido documentando el paso natural del tiempo vinculado a su iografía. Opalka pinta y cuenta para acercarse al infinito al que alude en el título de su obra. Cuando la primera molécula de pintura calló sobre el lienzo para dibujar el número uno, todas las vidas fueron condenadas a la mortalidad; la obra, que es el misterio que se repite, es el infinito que nos vigila y nos sostiene. Roman, querido amigo, todos sumamos junto a tí.
“Toda mi obra es una sola cosa, la descripción de número uno hasta el infinito. Una sola cosa, una sola vida. “
Si todos tendremos nuestros cinco minutos de fama esta debería ser la audiencia que nos merecemos. Una instalación reciente de Chris O’Shea que pone la tecnología al servicio de la reflexión, puedes averiguar más sobre los detalles técnicos de este montaje desde aquí. Robert Skrzynski aka No-Signal es un video artista polaco, su trabajo es realmente denso y agresivo, hemos seleccionado dos de sus piezas más digeribles – versión de un Tango incluida -para esta mordida. La tecnología enciende la luz.
Skyburial Lanvin & Emanuel Ungaro O/I 09 por Jason Last
Paris Fashion Week Lo mejor de la primavera verano 2010
CHANEL Allure Making Of Velencoso por Bruce Weber
El entierro en las alturas, Skyburial, de Jason Last es una editorial de moda masculina filmada en Francia con vestuario de la casa Lanvin y la casa Emanuel Ungaro – ¡para quitarnos el mal sabor de boca por la presentación de Lindsay Lohan!. El estilismo es de Jaime Rubiano quien viste al modelo Roman Ivancic para Ford. Paris es la capital de la moda del mundo y el siguiente es el video definitivo con todo lo mejor de su pasarela de moda para mujer primavera verano 2010. Y de Francia también es el Allure de Chanel, la magia del perfume en la belleza atemporal de Andrés Velencoso en este making of de campaña firmado por el prestigioso Bruce Weber. Nublado o soleado, el estilo perdura en todo el mundo.
Under Gear Times Square NY
Thiago Rufinelli Brasil
Vamos a Nueva York porque en Times Square se congrega un grupo de infarto. La marca Under Gear de ropa interior masculina saca la colección al corazón del mundo. Y tu guardas la cámara para viajar a Brasil. Thiago Rufinelli hace honor al apellido en este making of. Un rufián buscando el zoom de tu cámara en una aventura que será muy arty, cosmopolita y sexy. Comienza la semana!
No todas las editoriales fotográficas en las revistas de moda tienen como objetivo vender o lucir trajes y estilismo. La prestigiosa Harper’s Bazaar nos traerá en noviembre próximo la siguiente historia gráfica inspirada en las películas de terrror emblemáticas de los años 20 como Nosferatu. La fotografía la firma Michelangelo di Batista, con la ilustración de Jon Rodgers y el estilismo de Alison Edmond bajo la producción de Kim Herson. No todo es moda en la moda. Los años veinte viene con fuerza. ‘El misterios bajo la luz de luna’. Claudia Schiffer, aires de terror!
Se le considera el Federico Fellini del mundo de la moda. Él es el responsable de las pasarelas más elaboradas en nuestros días. Empezó produciendo el emblemático show de Victoria’s Secret y hoy tiene en su cartera a los más esencial de la moda de alta costura, desde Chanel a Christian Dior, pasando por Alexander McQeen y Louis Vuitton.
Alexandre de Betak (octubre 5, 1968) nació en Francia y es diseñador de mobiliario de profesión. Su carrera internacional se inició en el año 2000 produciendo el show de Victoria’s Secret y en 2003 debutó en el diseño en la casa Domeau & Perez.
“En algunos shows trabajamos seis meses,” dice de Betak. “Pero en algunos shows he trabajado en el set por un año – literalmente, completamente. Todo para 12 minutos, algunas veces sólo 10. C’est la mode.” Alexandre dirige actualmente Bureau Betak y el siguiente reel es un ejemplo de su dominio de la espectacularidad, el discurso del show y sobre todo de la calidad al detalle basada en el control de la alta tecnología.
Bureau Betak
La industria de la moda comenzó este siglo fusionándose con disciplinas como el cine, el video, el teatro y la música para convertirse en pieza clave de una nueva industria del entretenimiento. Con casi veinte años de carrera de Betak se ha convertido en el virtuoso y legendario diseñador de escenarios, mobiliario e interiores y de cualquier producción de moda y fiestas que alcance fama y fortuna en este mainstream. Los que le conocen, le admiran; dicen que su talento reside en su sensibilidad y en su capacidad para entender y amar el diseño. Los directivos respetan su implicación directa en todo el proceso del proyecto. Los diseñadores y modelos adoran la energía que impone en las pasarelas.
Una década ha bastado para que a Alexandre de Betak le salga competencia, él responde que le encanta planificar al milímetro cada segundo de sus shows, que le estimula la diversidad disciplinaria en su trabajo y sobre todo que su carrera ha sido un constante cambio ascendente lleno de grandes retos que él se ha buscado. Un reportaje en video en dos partes ha sido publicado en NYTimes y puedes verlo aquí y aquí. Larga vida al show, enhorabuena mon cher ami Alexandre.
El certamen de los Premios Nacionales de la Moda de España cumple su edición XX. El fotógrafo Framn Rezende es el responsable de retratar los trajes premiados durante las convocatorias que han contribuido a construir un espacio promotor de la moda española novel. El reciente trabajo de Rezende explora en looks interculturales que mezclan diseños, razas, colores y tendencias para capturar la esencia de una sociedad contemporánea centrada en la diversidad y el eclecticismo.
El trabajo de Framn Rezende forma parte de ‘Celebration’, la exhibición conmemorativa que se inaugura hoy 1 de octubre y que estará disponible hasta el 15 del presente en las instalaciones del centro alternativo cultural Di Mad (antiguo matadero de Madrid – Paseo de la Chopera 14) . Veinte trajes premiados y una fotografía especial dedicada a los cincuenta años del legendario diseñador Elio Berhanyer esperan!
La fama le llega después de una larga trayectoria. Al parecer el mundo recién comienza a entender que todos y todo somos sólo dots (puntos). Grande Yayoi Kusama (Japón, 1929), gracias por saber esperar!
Psycho-Logic Christian Louboutin
OI creative vision Kenzo
El videoarte al servicio de la moda. Hitchcock revisitado por la casa Christian Louboutin y Kenzo con un guión menos estructurado y más alucinado.
video del fan VuelveL Oso
Pelo y música
Donde hay pelo hay alegría, eso dicen. Nosotros cuando el frío amenaza buscamos el mejor calor. Aquí el pelo robusto es lo que cuenta. Vuelve el oso a ANATOMIkA y lo hace con musicón. Gracias al fan!
Tus curvas estimulan el zoom de mi objetivo, tu poema dilata mi diafragma, tu mirada anula mi flash mientras tu sudor dibuja la abstración de mi deseo. Me gusta el arte, me gusta desnudarte. Voy por los muros de tu museo, recorriendo tus galerías, enrojeciendo por el fuego que nunca cierra, por el arte que entre tus columnas me pierde ahora.
La historia de la industria está llena de anécdotas, mitos y leyendas. Desde el modelo T de Henry Ford que revolucionó la industria automovilística (en realidad, la inventó), Graham Bell y su teléfono, la Coca Cola y la fórmula secreta de su jarabe, hasta el actual IPod con su secreta nano tecnología táctil (juicios de autoría aparte), entre otros muchos nombres ‘ilustres’ que componen la galería de productos que nos llevamos a diario a la mesa para devorar con ligereza y placer.
Con la llegada de la radio y la televisión la música alcanzó el estatus de industria. Los medios de comunicación masiva hicieron de la música y sus artistas productos sumamente rentables. Es irónico que hoy esos mismos medios renovados en la Internet vuelvan a la palestra para amenazar esa industria. El caso es que la música se convirtió en una industria con sus propias leyendas, mitos y sobre todo fórmulas secretas.
La industria de la música lo dejó claro el siglo pasado: no vendemos arte, vendemos entretenimiento. Mientras el arte es imperecedero y eleva el espíritu, el entretenimiento es volátil y advenedizo. Es así como la industria de la música hecha mano de aquella varita mágica que todo lo puede y todo lo transforma: el marketing.
A partir de allí llegamos a la actual producción en serie de ‘estrellas del pop’. Una producción que se sostiene en dos columnas: debe ser del gusto juvenil y debe parecer natural. La estrella del pop prefabricada debe ser fácil y melosa y sobre todo parecer espontánea y naturalmente limpia de cualquier relación con el sistema y la autoridad. Con estas dos claves el empresario puede emprender la creación de su estrella del pop.
El siguiente paso es determinar el nicho de mercado o la oportunidad de negocio. Lady Gaga es nuestro ejemplo. Cuando Britney Spears dejó de acaparar el mercado por el súbito corto circuito cerebral de su alter ego y Christina Aguilera junto a Jennifer López decidieron dedicarse a la noble tarea de embarazarse y criar hijos, el mercado quedó libre para ser conquistado. Entonces apareció Interscope Records – que dicho así quizás no te suenen familiar pero es un sello que iba a la deriva hasta que PolyGram y Geffen Records lo adquirieron y que desde entonces dirigen discretamente en un segundo plano – totalmente decidido a crear el caramelo del momento y hacerse con todo el millonario pastel.
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Era una gran oportunidad de mercado, había una generación de ansiosos niños adolescentes que se habían quedado súbitamente sin caramelo así que Interscope Records apostó a ganador. Ficharon a Rob Fusari para producir el disco. Un productor es el 90% del éxito en este tipo de empresas. Fusari es casi un niño prodigio, tocaba el piano desde los 8 años y desde los 10 participaba en concursos nacionales. El gran salto en su carrera ocurrió cuando su amigo Calvin Gaines le presentó a Vince Herbet que por entonces andaba construyendo el caramelo de moda llamado Destiny’s Child para la Columbia Records. Como era de esperar el talento de Fusari le valió el puesto de productor, trabajaría con Kelly Rowland como solista y de allí daría el salto a Arista Records para trabajar con nada menos que Whitney Houston produciendo temas conjuntamente con el productor Babyface (Michael Jackson, Mariah Carey, Aretha Franklin, Madonna, etc.) que llegarían al # 1 del Billboard (‘Love That Man’).
Rob Fusari había descubierto la fórmula del caramelo y el teje y maneje de la industria de la música lo cual le animaría a cocinar su propia versión. En 2006 ficha a una desconocida y la bautiza con el nombre de Lady Gaga. “Un día estábamos en el estudio trabajando y sonó la canción Radio Gaga de la banda Queen y entonces le dije, tú eres tan radio gaga que terminamos bautizándola así” Con su caramelo bajo el brazo Fusari salió a venderlo en todas las disqueras hasta dar con los amigos de Interescope Records que vieron en él la alianza que buscaban y de inmediato firmaron papeles allá por el año 2007.
El día D fue el 19 de agosto de 2008. 59:35’ duraba el álbum ‘The Fame’ producido por Rob Fusari (Jonas Brothers, Jessica Simpson, Kelly Rowland, Britney Spears, American Idol, Gloria Gaynor entre otras criaturas) con la participación en la producción de una las cabezas de Interscope Records, el señor Martin Kierszenbaum que firma con el seudónimo ‘Cherry Cherry Boom Boom’ – que de lo hortera que es ya dice mucho de él. Su participación en el disco ‘The Fame’ fue ante todo una estrategia comercial y un punto de vanidad que Fusari pasó por alto. Como el disco tenía que venderse en Europa también se aseguraron en el equipo de producción a Space Cowboy reconocido por llevar sus remezclas a los número uno de las listas europeas – I would Die 4 U, de Prince; Glamorous, de Fergie; además de haber trabajado con Sir Paul McCartney.
La historia la pueden completar ustedes, Lady Gaga salió, gustó, vendió y ganó. Para los que viven en la industria de la música no hubo ninguna sorpresa. Los señores de RCA Records creadores de Christina Aguilera se llevaron la peor parte. La competencia se les adelantó – estilismo incluido – y perdieron un año entero de cosecha. Inteligentemente guardaron todo el álbum y los videos y mandaron a Xtina a casa a seguir cuidando de su niño. El pan se les quemó en la puerta del horno. No estuvo mal, al menos no hicieron el ridículo con un circus de gira internacional llevando un triste espectáculo humano como hizo la Sony BMG con su producto defectuoso Britney Spears.
Esta es la historia de Lady Gaga, un éxito pero no un fenómeno. Una anécdota más en la industria de la música, un producto que se erigió en la revancha del estilismo comercial y por ello en caricatura de él. Lady Gaga, con sus máscaras y su cara de póker no fue nadie y por ello fue todos. Lady Gaga no dijo nada y por ello fue el discurso de una generación silenciada y aplastada por un sistema comercial en crisis. Lady Gaga hizo feliz a los niños pero también fue un producto cruel que elevó a la estratosfera a una chica llamada Stefanie Joanne Angelina Germanotta para luego soltarla sin paracaídas. Suerte para ella – bien haría en empezar de cero bajándose de la máscara. El arte de la música debería sobrevivir a la industria, si al menos los niños aprendieran a cuidar mejor de sus dientes no habría tanto póker face ni generaciones atragantadas y sobre todo artistas asfixiados.
De todo el mundo, nuestro scanner te trae lo mejor del estilo. La efervescencia eterna. The worldwide selection of the outstanding relevant style from our web scan.
CHARLIE LE MINDU / PELUQUERÍA COLECCIÓN PRIMAVERA VERANO 2010
Ya están aquí, la cadena de televisión ABC trae el primer piloto de Modern Family, tres familias que se ajustan a una nueva realidad. Hace un par de años tuve la oportunidad de ver un documental en el festival de cine homosexual de Madrid sobre las nuevas familias. Pocas veces mi creatividad y libertad se estimularon tanto. Niños con dos padres y una madre, niños con dos madres y dos padres, matrimonios interraciales con hijos interraciales, abuelos padres, padres tíos, la composición parecía elevarse al infinito.
Lo que aprendí al salir de aquella sala de proyecciones fue que la familia no había cambiado, que la familia se había consolidado, había madurado lo suficiente para dejar su origen biológico basado en la dupla de géneros masculino femenino para fundarse en el vínculo afectivo. Finalmente la familia eran los que tenías cerca y te querían. Dicho así suena sencillo y visto desde la óptica de la nueva serie Modern Family, también divertido.
La salud de la televisión norteamericana está a salvo para alegría de quienes admiramos su capacidad de divertir e innovar y sobre todo de llevar temas espinosos al ring del ’Apto para todos los públicos’ en un medio y en medio de tantas restricciones sociales y culturales. Modern Family, su primera emisión ya puede considerarse una conquista – difícil no recordar las recientes fotos de Ricky Martin y sus dos bebés – la tele sigue haciendo historia.
Por varias razones el documental sobre el legendario número de septiembre de la revista de moda Vogue USA es un trabajo cuyo resultado parece haberse escapado de los objetivos originarios. The September Issue, el número de septiembre, ha sido hurtado.
Por un lado su protagonista debía ser la oscura editora Anna Wintour y no lo fue; tampoco se consumó una de las estrategias del proyecto que era capitalizar el movimiento reality show (Runway, Super modelos) que otras revistas de la competencia han usado para ganar a Vogue por primera vez. Y también está la película ‘Devil wears Prada’ que consigue arrebatarle un ritmo asequible al público general y de paso hacerse con el glamour identificativo de la revista. Pero sobre todo está el hurto de Anna Wintour, su estudiada predisposición al proyecto termina por devorarlo como todo aquello que le desagrada.
Grace Coddington, directora creativa de Vogue USA se roba el protagonismo de este documental. Su imagen humana junto a su historia cinematográfica del accidente automovilístico que la arroja del mundo del modelaje al mundo editorial dibuja un personaje multidimensional que se debate entre la exigencia de la industria, la excelencia artística, el compañerismo (‘don’t be so nice, because you loose’) y la agresividad. Grace, con su resistencia inicial al proyecto termina haciéndose con él.
Los documentales son películas específicas para un público especialmente sensibilizado con el tema y capaz de entender su ritmo narrativo que rara vez tiene algo del ritmo divertido y fácil de Hollywood. The September Issue se suponía el caramelo para la gran platea americana que ha captado la competencia ELLE a través de un reality de modelos en la televisión yankee. El documental de R.J. Cutler para la transnacional Condé Nast es un trabajo bien logrado, con todas las limitaciones que debió tener (la escena en el ascensor rojo a solas con Wintour y Coddington lo resume), su mérito está en retratar la frialdad y la exigencia en una industria multimillonaria que no hace concesiones. El documental de Cutler cumple y satisface aunque difícilmente compite con una emisión del ‘gran hermano’ de las pasarelas.
La realidad supera la fantasía, pero no el glamour. Si en ‘Devil wears Prada’Miranda y su Chica miranda son lo más elaborado del estilismo contemporáneo, en ‘The September Issue’, Anna Wintour y su equipo lo superan pero no en glamour sino en crudeza. R.J. Cutler consigue plasmar una industria que ruboriza cualquier romanticismo en la moda. Las cabezas de Condé Nast lo tienen claro: el glamour lo dejamos para las páginas de la revista. Si piensas que tu oficina es un infierno, que te rodean injusticias laborales y frustraciones personales, te vendrá bien ver esta película que conseguirá convertir tu sencilla oficina en un paraíso.
Para los familiarizados con la imagen pública de Anna Wintour, ¿se han preguntado cómo hace para llevar esas gafas absolutamente negras a los desfiles de alta costura en Paris? Sencillamente alguien que ha teledirigido y visto en privado las colecciones – bochorno aparte para los diseñadores victimas – no necesita ver nada más. Wintour es capaz de exigir y conseguir incluso que la casa Prada modifique la textura de sus telas en su próxima colección.
Anna Wintour se viste de Mala. The September Issue, el proyecto que la desnudaría se interpuso en su camino y ella lo devoró a su manera. Hay dos tipos de gente brillante, los que no saben que lo son y los que son consientes de su condición. Los segundos ejercen el poder desde la soledad, muchos son queridos, la mayoría temidos y en cualquier caso son siempre respetados. Un documental es siempre una batalla entre su director y algo que no se deja retratar. R.J. Cutler ha conseguido dejar algunas migas de pan en el camino; el ocaso inminente, la tristeza contenida de Coddington; el fantasma de un padre y esa extraña inseguridad Wintour. “El Número de septiembre” se estrenará este fin de semana en España, muchos lo querrán ver y tú te lo podrás robar.
Cai Guo Quiang (Quanzhou, 1957), artista chino, se mudó a Japón y de allí a Nueva York. Comenzó explorando con la polvara y en sus trabajos la carga social ha sido siempre explosiva y con una profunda carga reflexiva. Sus instalaciones impresionan como aquella manada de fieros lobos en tamaño real estrellándose contra el cristal, como hombres en estado animal repitiendo el mismo error instintivamente.
Li Wei (Hubei, 1970), también originario de china, su fotografía actual indaga en las relaciones interpersonales desde el amor incondicional y tormentoso hasta el más vil rechazo social. Su obra compuesta por escenas inverosímiles donde él es el propio protagonista, lo convierte en un ilusionista. El siguiente son dos videos sobre su fotografía y un making of de una de sus obras. Cai Guo y Li Wei son consagrados que han paseado su visión por los mejores museos del planeta. Donde quiere que estés ahora, ya puedes disfrutar un poco de su genio. Honorables!
Vuelve el cine de fantasía justo a tiempo. Los cuentos clásicos se invierten para somprender una sonrisa, la mágia sigue siendo la misma, cuando la pareja nos sale rana, The Princess and the Frog. Entre el cabaret y el circo, la compañía La Clique trae devuelta más mágia para un público adulto con ganas de ilusión. Creativamente sensuales. De la china, un talento milenario reinventado, esculturas aéreas, figuras en tamaño real y ahora fuegos de artificio para recordarnos que esa nube negra puede ser trambién fantasía de la buena. CaiGuo Quiang.
Lanvin Otoño Invierno 09/10
Christopher Kane Para TopShop
Oscar de la Renta Primavera 2010
Sin el emperador de la moda, Valentino empieza la guerra por la sucesión. La casa Lanvin aprovecha el tirón del revival de los años de la post guerra que le dieron fama y fortuna y Oscar de la Renta consigue una colección única capaz de englobar todas las demás tendencias con una calidad de lujo en los materiales que salta a la vista. Batallas de glamour. Christopher Kane propone la visión fresca y moderna para esta semana dirigiendo el nuevo anuncio para la marca inglesa de ropa de almacen TopShop. La discoteca está abierta.
Entrevista con el Stripper Muscle Worship RealMen
De Calendario Francia
LaLaLa Song chicos en soul
Fracois Sagat el porno star
El hombre, el desconocido, el amigo, el hombro, la sonrisa, el hermano, el dios. Una entrevista a calzón quitao con el stripper, un backstage de un calendario francés de jóvenes deportistas (si decimos el nombre, cancelan el video), un balada soul que recorre los mejores paquetes del orbe y una estrella del porno de va de pasivo a activo con o sin lubricante, Fracois Sagat para ponerle música a esta nueva semana que ya disfrutas.
Hay dos puntos importantes en el arte de la española Carolina Ceca; le adornan una importante formación plástica donde el dibujo esencial se desarrolla con legítima soltura y está también su capacidad para el sincretismo, su obra lleva de paseo la cultura occidental de la mano de la oriental a través del tiempo y sus propias iconografías hacia lugares donde se diluyen las diferencias para dar cabida a las cuestiones humanas más integristas, su obra resulta inquisidora a la vez que hermana.
Carolina Ceca (Talavera de la Reina, 1979) es una artista visual y especialista en Arte Contemporáneo doctorada por la Universidad de Salamanca. Ha vivido desde el año 2005 entre Tokio y Yokohama, en donde ha desarrollado sus últimas obras plásticas. En su última exposición, de regreso a su tierra natal, presentó el resultado de las emociones vividas en la distancia, combinando la estética japonesa junto a líneas de dibujo occidental. Mascarada, es un viaje a través del concepto universal de la máscara, abarcando tanto el de la veneciana Commedia dell’arte como el del más puro Teatro Dondoro. “La máscara nos ayuda a escondernos y también a expresarnos. Su uso es contradictorio, hay quien las usa para desinhibirse, otros para inhibirse… pueden ser un armazón frente a la sociedad, pero también pueden ser ligeras. Los cínicos gozan con y sin ella” comenta Ceca. Cuando el sol naciente es el mismo en todas partes, somos japos a secas.
Ha llegado el momento de retomar el año, pasadas las vacaciones el intelecto se centra poco a poco. Las galerías despliegan sus mejores carteles para rematar. La Fresh Gallery fiel a su inquieto espíritu urbano presenta la obra del venezolano Abdul Vas, un trabajo que destila furia animal sobre temas sociales con un tono elevadamente sexual y homo erótico echando mano de la iconografía y referentes de la cultura popular norteamericana principalmente. Entre el grafitismo y la pintura, un guiño al genio de Basquiat. Estreno, septiembre 10.
Por su parte la renombrada Galería Soledad Lorenzo presenta lo nuevo de su premiado artista Broto (Zaragoza 1949). Impresionismo abstracto, futurismo elegante, una inteligente selección de colores y formas contrastadas que agitan el espíritu hacia emociones optimistas. Estreno, septiembre 08.
AGORA, Alejandro Amenábar, comentarios, comments, critica, director, Mateo Gil, Max Minchella, Oscar Isaac, Rachel Weisz, spain, video
ÁGORA – la Libertad es la espada
In ARTE > alegrando, estrujando, ilusionando, tu espíritu on October 13, 2009 at 9:19 amPOR RYE
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